在器乐的演奏中，如果演奏者在乐谱中一遇到难的技巧，便强调演奏技巧的科学处理，这样很容易导致技巧练习与钢琴演奏整体过程的分离。

在刚开始接触某一部作品时，便强调技巧方面的要素，这显然是根据不足并且是十分危险的。那些经常发生的，对于作品的近乎于荒诞的误解便是由这种情况导致的。如果从这个角度来看，莫扎特的奏鸣曲好像要比肖邦的叙事曲在音乐表现方面容易得多。然而，人们在此很可能是忽视了莫扎特的奏鸣曲在理解、触键方式以及创造力方面的更高要求。

一、钢琴演奏技巧的重要性

当今，人们努力在音乐演奏方面像在音乐理论课上的那样，重视作品最为本质的东西——音乐的内涵。“技巧”与“音乐表现”之间的区分似乎更为明显，“技巧”的磨练已经不再意味着清洁和磨利创造工艺品的工具。

实际上技巧训练距离音乐作品的精神越来越远，但却没有完全消除。现在大部分人每天练琴五、六个小时，其中大部分时间是手指在琴键上机械地运动着，一点也没有因为体会到音乐的感受而使手指升温；另一些时间则因为追求某种感受的狂热而把所有在技巧方面应当注意的问题都甩到脑后。这样的练习方法问题首先是：学生们尽管事先专门对某部作品的技巧问题进行学习，但还是只有那些天赋很高的学生偶尔有机会将他们的音乐设想转化为具体的音乐。学生对音乐感受愈强，现实与设想间的区别就愈使他感到痛苦。虽说根据人们的感觉，音乐的表达是一个整体。但事实上它却可以被划分为很多的细节，以致人们很难同时将全部的细节纳入音乐表现之中。此外，大多数的演奏者经常笼统地听一部音乐作品，却很少注重作品的细节，因此在自己的演奏中几乎无法听到音乐表现的细节并加以控制。

当演奏者放弃将每个音符的细节同时纳入音乐表现时，才有可能按照自己的意图处理音乐作品。人们宁愿让音乐表现方式来源于音响的原始形式，并在此基础上使其发展。作曲家在乐谱及表情术语中一般都清晰地表现自己的意图。据此，演奏者已能够非常理想地处理大部分的音乐表现。但是演奏者应当明白的是，在阅读那些表情术语时，反映到头脑中的不应该是一个个单词，而应当将其置于音乐发展联系中并确切理解其含意。谁如果不愿意在这字里行间进行深入的研究，谁就永远无法在演奏中再现作曲家所赋予这个作品的生命力。还有一些理论的研究者，在著述中把钢琴演奏技巧分为技术性的技巧和音乐性的技巧，以便于区别二者的内涵。像这样关于钢琴演奏的技术与技巧辨析的东西有很多，都说明在钢琴艺术理论研究方面，明确的区分二者不同的内涵，对钢琴教学的研究向着科学化、纵深化的道路上发展有着重要意义，同时也便于钢琴学习者正确理解技术技巧训练。

如果把技术具体得看作运用身体的能力，就说明它可以用相对固定的训练指标来衡量，比如动作的速度、力度、准确性、熟练度等，也就可以把它划入科学范围，从而运用科学方法进行研究、训练。事实上体育科学早就对肌肉运动的训练有了研究成果，让肌肉具有哪方面能力只是训练途径不同。钢琴演奏法发展历程也很好地说明了手指弹奏技术正走向着科学化发展的进程。从钢琴制造发展过程可以看出，现代钢琴已成为能充分发挥人的体能及想象的较为完善的表情工具，因此钢琴弹奏技术是既从属于音乐表现又从属于运动科学的操作手段。为了更好地表现音乐形象，演奏者必须具备一定的手指准确、速度、力度等能力，丰富的钢琴作品对手指的各方面能力提出了苛刻的要求，掌握技术是一名钢琴家必备的条件。

把这些音乐的素材按照一定的思想或情绪的发展逻辑有机地组织起来就构成了综合音乐形象，它体现了人的精神、意志，成为音乐表演活动的根本目的。从这个意义来说，技巧也逐步靠近了音乐本身。因此，技巧是以音乐素材的积累为前提，以智慧的手段、以情感的体验为特征的精神产物，是演奏者巧妙运用弹奏的技术、表现一定音乐情绪的能力。它随着精神发展而提高，区别在于手指技术随肌肉能力的提高而发展。一切艺术表现手法像对比、对称、平衡等都是技巧形成和发展所应遵从的共性原则，但都不能成为技巧本身。艺术来源于生活，丰富多彩的生活实践创造着多变而细腻人类情感。在不同情感想象作用下所创造出的音乐作品，必然需要富于创造性的技巧才能展现。从这个意义上来说，有多少作品就应有多少钢琴表现技巧，灵活多变、恰如其分就成了技巧的特点。正是技巧的这个特点，大大地丰富了艺术表现原则的内涵。同时，在这些共性表现原则启发下，钢琴表现技巧向着无限丰富和细腻的空间开拓、发展着。

我们知道技术和技巧同时存在于钢琴演奏的能力当中，相辅相成、缺一不可。在某种情况下它们又可以是混用的，因为它们都融入了同一个概念，即演奏的能力中。这要求钢琴教师钢琴弹奏训练开始时就要重视二者的完美结合，不可偏颇。但二者又存在着显然的区别，技术是可见、有限的；而技巧却是无形、又是无限的。钢琴教师在教学训练中应该真正弄清二者的含义、关系，结合学生的实际情况，把演奏能力教学的重心适当倾斜到技巧上，使学生在创造性的技巧训练中感受到音乐的乐趣，感受到钢琴弹奏的快乐，以技巧来带动技术提高，使学生在有限的技术上运用无限的音乐表现技巧创造出丰富的音响世界，达到钢琴所要表现的目的。

二、钢琴演奏的基本技巧

钢琴作为乐器之王，是音乐历史文化的重要象征。然而，这件乐器真正的伟大之处在于它为人类呼唤出了许许多多的制作师、作曲家和演奏家。制作师们把钢琴的性能和表现力发挥得淋漓尽致，而伟大的作曲家与演奏家们则将自己融入到这件具有广博包容精神的乐器中，以激情、心血甚至生命谱写和演绎了三百多年的沧海桑田。三百多年来，钢琴作品在演奏家想象力的驾驭下，创造出千百种丰富的音响世界。在浩如烟海的钢琴作品中，几乎留下了历代每一位作曲大师耕耘的足迹。在一部完整的乐器艺术史中，正是因为有了如巴赫、莫扎特、贝多芬、李斯特、肖邦等演奏家与作曲家不断的努力和实践，大量优秀的钢琴作品才得以流传，历代大师们不同风格的高超演奏技艺和他们的风采，深深地打动着亿万人的心，从而更加确立了钢琴在乐器王国中的重要地位。直到今天，人们还在不断地探索钢琴的演奏之道，如何将音乐与钢琴演奏完美地结合，成为人们永恒的话题。随着社会的飞速发展与世界文化交流的日益增多，钢琴这件起源于欧洲的乐器己经在我国得到了广泛的传播与发展。钢琴进入中国不过百余年的时间，却受到了广大中国人民的喜爱。中华人民共和国成立后，钢琴艺术的发展取得了辉煌的成就，涌现了许多优秀的钢琴演奏家与教育家，为我国的钢琴事业奠定了坚实的理论基础和丰富的实践经验。同时也涌现了许多世界闻名的钢琴大师，他们良好的艺术修养和音乐天赋，再加上精湛的演奏技巧，使他们的演奏艺术达到了世界一流水平，中国钢琴艺术得到了世界的赞许和认可。

（一）钢琴的声音原理与特点

钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”。首先，钢琴是唯一的可与整个交响乐相比拟、相对应、相抗衡的独奏乐器；其次，钢琴的音域囊括了交响乐团最低音区到最高音区的全部音域。钢琴可以发出类似交响乐队合奏时的雄浑、嘹亮、光辉、铿锵的音响；最后，钢琴能同时奏出十余音的合弦以及四五声部的复调。钢琴的种种特点，决定了它在乐器中的特殊地位。

钢琴的声音特点可以归纳为以下几点：

1、音色除乐器本身的结构与弦之外，首先取决于槌毡的质量及其裹制方法。黑尔姆霍尔茨证明，裹毡的方法对缒与弦的接触时间有影响。接触时间越长，下方泛音就越突出。下方泛音可使音色较柔和，而上方泛音使音色尖锐、刺耳。为了使音色柔和，钢琴技师必须使毡槌的设计达到槌与弦保持尽可能持久接触。这一点由于毡槌采用硬度不同的毡层裹制，做到了槌子的毡层越往外越软。这么一来就使毡槌在击弦时，用坚硬的核心把柔软的毡层挤向琴弦，然后才离开。

2、强度与毡槌速度成正比。毡槌敲击琴弦时一不受琴键的控制。因为断联之后，琴键与毡槌即失却联系，这时在毡槌运动中唯一起作用的因素就是速度。

3、泛音的数量与速度成正比。就是说，声音强度的变化在一定程度上与音色变化一致。

4、在弹奏的一刹那，毡槌的速度决定下键的速度，如果演奏者欲提高发音的强度，则必须给予下键更快的速度。(www.daowen.com)

5、奏出的音越强，消失得越快，较弱的音则相反。

6、高上方泛音比低上方泛音消失得慢。就是说，声音拖得越长，其音色就越“纤细”。

从钢琴弹奏的原理上看，钢琴是键盘乐器，是通过琴槌击弦发出声音的，因此颗粒性声音是钢琴的特色。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势，所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指，使其独立、主动、灵活，使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。钢琴音域宽广，音色优美，表现力极其丰富，能演奏和声复调，能胜任重奏、独奏、以及与大型交响乐队进行协奏，并能用高难度的演奏技巧弹奏出高难度的曲目。

（二）手指技巧在钢琴演奏中的重要作用

钢琴演奏是一门技巧性很强的学科，特别是手指技巧在其中起到了很重要的作用。“手指技巧是钢琴弹奏中最重要的领域，手指的工作不仅对手指本身的积极挥动有意义，而且有利于把手臂的力量传递给琴键。”手指技巧是钢琴弹奏技能发展的基础，要想使钢琴演奏达到更高的水平，就要让手指能适应钢琴的弹奏和掌握高超的钢琴技术，并能在纷繁复杂的各类技巧中灵活自如地表现。因此，要想成为一个优秀的钢琴家，熟练、精湛的演奏技能是成功的前提，要能像电脑控制一般准确无误地演奏：飞如风、动如雷、飘如云、轻如烟。因此，透彻的技术知识和精湛的技能对钢琴学习至关重要。

（三）演奏技术中理智的、科学的创新性训练

演奏中的技术困难是客观存在的，俗话说“冰冻三尺非一日之寒”，这种能力的获得只能随着时间的发展而形成，尤其是“机械性的练习”更是不可避免，但技术练习应该是一种引人入胜的、有创造性的学习。对于善于钻研的人来说，实践能掌握理智的、富有创造性的练习方法。从创造性的角度讲，那些基本练习比演奏一首作品更加重要而具有意义。著名钢琴教育家里赫特说:“我从不把技术训练与艺术创作分割开来，因为二者是相互联系的。”对演奏者来说，各种专门的技术训练都是必不可少的，既要练习音阶、琶音、双音和弦等，又要练习艺术作品中的复杂的技术难点。因此，在练习过程中，运用理智而科学的创新方法掌握典型的、使用最广泛的结构和组合是很有必要的。

1、科学的重复性练习

在钢琴弹奏中采用重复练习的方法可以找到演奏作品中的关键技巧，巩固以往发现的重要因素以提高手指的快速、灵敏度，使已有的技能得到进一步强化并提高其熟练程度。这种重复练习方法的前提是创新性的重复，而非拷贝式的模仿。如《哈农手指练习》就可以采用多种方法，不同的节奏、不同的速度和不同的触键来弹奏，利用自己的领悟力和创造力使基本练习变得更加有效。如《什密特钢琴手指练习》法，特别是双保持音练习，连续的、不出错的练习，可以提高演奏者对手指的控制力，掌握更高、更好的技巧。

2、提炼技术难点的练习

通过一定程度的演奏技巧训练，演奏者能够获得触键发音、声音变化、节奏把握上的驾驭能力，从而能随心所欲地表达个人对音乐的理解。不同技术动作表达出的声音与一定的音乐内容相结合。如演奏优美连绵的旋律需用柔和歌唱的声音，而幽默欢快的音乐特点则由短促而富于弹性的跳音来表现，音乐作品当中的分句与呼吸就由手腕的技术动作来承担。如斯卡拉蒂的作品是用古钢琴演奏的，风格古朴、轻巧、明亮，要求触键精巧而有弹性，节奏富有动力又准确。演奏者可以运用作品来进行技术和音乐相结合的训练，既掌握了古典风格又解决了手指弱、节奏不准确的技术难题。我们必须根据作曲家的不同风格、作品的不同内容来做这方面的训练。如莫扎特奏鸣曲中的跑句，它包含了丰富的音乐语言和节奏韵律，同时又体现了德国古典音乐的风格，明朗而典雅。

3、在演奏中运用歌唱性的技能练习。音乐其实就等于歌唱。我们在弹奏中可以通过手指的触键来发出一种我们想要的声音，这种声音或柔和，或抒情，或喜悦，或悲伤，或是具有一定的美感，人们在聆听到这样的音乐时会有审美感觉在其中，这样的音乐就是赋予歌唱性的。要强化歌唱性，就要强化技术服从音乐的理念。在演奏时发自内心的歌唱，能表达出演奏者最真挚的情感和全身心的投入，将音乐融入演奏者的呼吸中，最终达到完全自由地表达心中所理解的音乐的目的，将钢琴作为身体的延伸，而不是需要征服的物体。由于音乐也是一种语言，演奏者要学会用音乐来“说话”，乐曲中的旋律就是构成音乐语言的重要组成部分。一首优美的乐曲之所以能够打动听众是因为它有抑扬顿挫的旋律和变化多端的节奏，构成了声音之间的对比和时间延伸性的对比，表现了丰富的音乐形象。乐曲的演奏如同诗歌朗诵须注意其“语气”的运用，它是音乐声音形象的重要表现手段之一。

4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习

俗话所得好“欲速则不达”，这条适合于万物的真理在钢琴演奏技术练习中同样适用。“慢练”是指根据演奏作品的难易程度将演奏速度减慢的一种练习方法，决不是演奏技术与艺术上的心理懈怠与情绪的散漫。通过“慢练”能够解决视奏作品的准确性与完整性问题，掌握旋音型的特点和指序的规律，使左右手声部的配合更加完美，真正达到声部层次的立体感。更重要的是能解决演奏中的技术难点，以熟练掌握演奏技术，慢速是快速的基础。循序渐进的慢速练习能使演奏者的内在感觉发生变化，从而进一步完善演奏技巧。如车尔尼的《快速练习曲》(QP.299)、《手指灵巧的技术练习》(o P.740)等。通过练习曲练习，将技巧与艺术表现融合在一起。

（四）良好的心理因素是体现完美音乐技能的有利保障

良好的心理操作技能是乐技训练的重要组成部分。钢琴演奏中“心”的概念，包含情与理两方面的内容。钢琴演奏的情感需要从心出发，一定要发自内心。同时，钢琴演奏的控制、布局、安排，却又必须用心去思考。演奏者在演奏时流露出来的热情不应该是矫揉造作的，不应该是虚假的。因此要用心去体会音乐，使内心的感受与音乐完全融为一体。只有做到这一点，演奏中的热情才具有生命的价值。我们在演奏时，不能气浮，不能急躁。气浮容易忘谱，性急容易赶节奏，急躁容易出错，但一定要有热情、激情，唯有平静而不受干扰，又富有激情才能演奏出完美的乐章。