演奏方法是音乐演奏者需要重视的一个重要方面，演奏者只有在强大的技术支撑下才能完整地演奏乐曲。在日常演奏中，有时会出现演奏方法不得当导致演奏中断的情形，严重的话甚至酿成演奏事故，原因经常是身体的某一个部位出现疼痛和疲劳。演奏者在演奏的过程中，没有注意到，让身体某个部位的疼痛或者疲劳到达了临界点，让演奏的效果大打折扣，严重的话甚至不能再继续进行演奏。这种现象是不容忽视的。对于从事器乐演奏的专业演奏者来说，这种现象实际上是长期不良的演奏习惯和不科学的演奏方法造成的，对演奏者身心都会造成巨大的伤害。如果不敢面对的话，就像悬在头顶上的达摩克利斯之剑，总有一天会在演奏的时候造成严重后果。

人们常说“适合自己的，就是最好的”，每个演奏者都要找到最适合自己的演奏方法，然后根据自己的生理条件以及心理素质和接受能力等。找到适应自身的演奏方法。

首先，从生理条件上来说，中国人和欧美人就有所不同。大提琴是从欧美国家传入的，其构造一定是符合西方人的生理特征的。西方人的平均身高较高，上身短，下身长，四肢修长，肩膀宽；而中国人相比较而言，四肢较短，肩膀不够宽，所以在持琴和运弓的方法上与西方人是稍有不同的。比如持琴的姿势，西方人普遍身高较高，持琴的位置更为靠下，大提琴的后背板在接触身体的时候稍微靠近腹部的位置，从中国人的角度看上去有些像成年人演奏儿童琴。再比如说，右手运弓，西方人的肩膀宽、手臂长，所以右手在运弓至弓尖的时候，手臂可以保持比较大的弯度，手臂游刃有余地运转，这样的话手臂的力量能够完全放在弓上，还能迅速、轻松地收回和送出弓，对于完成各种力度的乐曲演奏轻松了很多。对于中国人来说，手臂较短，在运弓的时候需要更加注意角度和力度。除了西方人和中国人的差异之外，男性和女性之间也存在差异。比如性别本身不同导致的差异，身高、臂长等因素都能造成较大的差异。所以，要想完成高水平的演奏，就必须不断调整演奏方法，寻找出最适合自己的演奏方法。

对于观众来说，他们欣赏大提琴带来的优雅悦耳的音乐时，并不了解演奏者是如何将最美好的乐曲呈现出来的。观众只看到演奏者在舞台上拥有的注视、赞美、鲜花和掌声，而不知道他们在台下是如何刻苦练习的。“台上一分钟，台下十年功” 并不是虚言，它表明一门技艺的精进需要大量的练习和磨炼。艰难的练习可能给演奏者带来精神上和身体上的压力和折磨。如果选择成为一名专业的大提琴演奏者，从练琴开始，精神上所承担的压力，身体上的一些部位甚至全身所承担的疼痛都会伴随着演奏者一生。为了更好地对抗压力和身体的疼痛，演奏者必须正确认识到科学演奏方法的重要性。如何找到行之有效的方法，不仅考验着演奏者的演奏水平，还考验着演奏者的综合素质，比如思维能力、知识储备能力等。

演奏者不仅需要学习大量的专业知识，坚持每天都做练习，还可以选择观看演奏家的视频和音乐会，特别是国外大师级别的演奏家的演奏。这能开拓演奏者的视野，也能使他们学习到很多演奏家的好习惯。但是，不能过分地迷信国外演奏者的演奏姿势和方法，而舍弃掉自己经过长期调整之后所形成的适合自己的演奏方法。有些演奏者不自信，认为自己的演奏状态比不上大师，经过努力的演奏方法没有取得应有的效果，所以做出了很多错误的决定。比如过度模仿某位大师的演奏方法，导致身体疼痛，严重的话可能导致全身酸痛，肩膀、握弓的手指等都变得僵硬，进而导致无法继续演奏。此时，演奏者必须要重新调整演奏状态，之前花费大量的时间和精力形成的演奏方法和良好的习惯所做的努力付诸东流。这样不仅耽误了提升演奏水平，与同时期的演奏者之间差距会拉大，还会造成心理上的巨大负担，严重的话会导致演奏者对自己失去信心，无法重新回到舞台上。

除了演奏方法、技术之外，身体的动作、面部的表情也是舞台演奏的一部分。演奏者需要认知正确的演奏状态。演奏状态是一个综合的演奏行为，需要高超的技术、强烈的音乐表现力和感染力、全情的投入、演奏者自身的自信等，这些综合起来就具备了打动人心的音乐魅力。有一些是我们常见的误区，比如，演奏者毫无表情的炫技，或者是浮夸做作的面部表情和肢体动作，或者是沉浸在自我的音乐世界自我感动。这些动作吸引了观众的注意力，让音乐本身沦为了配角。所以，演奏者在演奏的时候一定要综合考虑自己的演奏状态，不能单方面地突出某一些特征，削弱其他的因素，而应将这些因素结合起来，使其互补而相互制约、相互帮助，力求达到最好的演奏效果。

寻找适合自己的演奏方法的前提是科学的演奏方法，然后在科学演奏方法的基础上找到让自己感到舒适的演奏方式，这样才能达到想要的演奏效果。舒适的演奏方法是经过多次调整、努力，最终在演奏过程中不产生任何疲劳和疼痛的状态之下达到的。这个时候，演奏者才能不被疲劳和疼痛所困扰，才能有足够的精神和体力完成高超的演奏技艺，表达出丰富的音乐内涵。演奏者如果不重视演奏方法，而只是关注技术难度，认为只要完成曲子的技术难度就行了的话，那么即使能够完成乐曲的技术要求，也不会产生好的音乐效果，无法打动观众的内心。同时，还会让演奏者无法在演奏中全心投入，只会将演奏视为完成任务，严重的话还可能视为折磨，进而产生对大提琴的厌恶。从事专业大提琴演奏的演奏者如果想要成为出色的演奏家，必须花费大量的时间练琴。练习时间过长，过于集中，练琴的时候不断地重复发力和动作，日积月累。即使一直使用正确的演奏方法，也会产生身体酸痛的现象。如果一直得不到缓解，就可能加重身体和心理的压力。所以，在练习的时候要注意不要过度疲劳，要做到劳逸结合，分散练习时间，降低演奏强度。在进行高强度演奏的时候不要太过于集中，而要适当地舒缓自己的身体疲劳，这样反而会事半功倍。

在演奏的时候可能会出现很多问题，比如技术问题，要予以足够的重视。要对演奏方法不断地进行耐心细致地分析和体验，演奏方法必须是适合演奏者本人，并让本人感到舒适并且能够认同的。根据自己先天条件和后天练习的不同，演奏者一定能找到最适合自己的演奏方法，轻松愉悦地奏响大提琴的旋律，让观众认识到大提琴的美妙之处。

举个例子，在学习一首新乐曲的时候，如何更快地找到适合自己的演奏方法呢？首先要先分析这首乐曲，分析它的曲式结构、调性、节奏和作品的风格、特点、速度等。可以按照下面的方法进行练习。

第一，慢速练习和快速练习相结合。在学习和练习一首作品的开始，最好详细制定适合自己的弓法和指法，不要怕麻烦如果不假思索地练习，遇到瓶颈的时候还是需要重新制定合适的弓法和指法。这些弓法和指法通过慢速练习巩固之后，再用乐曲需要的速度进行练习。在练习新作品的时候，可能会遇到之前没有遇到的一些难点，有的演奏者会不辞辛苦地拼命训练，认为只要练习的次数足够多，就能得到进步。实际上这是一种偷懒的练习方式，代价是不仅演奏水平得不到提高，还浪费了重要的时间，养成了影响练习的坏习惯。面对困难时，一定要冷静地分析，最终找到适合的解决办法。解决之后再进行重复的训练，做到熟能生巧，一定会取得意想不到的进步。(www.daowen.com)

慢速练习和快速练习相结合是练习有难度的乐句的重要方法，用何种演奏方式呈现出来，效果如何，都是需要经过不断地尝试的。在尝试的过程中也需要思考和反，以后在演奏的时候才能如鱼得水。

第二，分开练习困难的乐段和乐句。一首乐曲的构成分为很多部分，各部分之间相互独立，而且每个部分都有自己的特色，有不同的演奏难点。如果演奏者只是按照乐谱，从头到尾地反复练习，而不去关注难点的话，演奏很可能会出现错误。演奏者必须意识到，要一一解决每个难点。最好的方式是将乐段分解成多个部分，将其中的困难标注出来，集中精力攻克难点。将分解的各个部分练习好之后，再将它们重新组合在一起进行练习。虽然还是按照乐谱进行演奏，但演奏者肯定已经融会贯通，不仅节约了练习的时间，还提高了演奏水平。

第三，对背谱的练习。想要记住乐谱对于不了解音乐的人来说简直是天方夜谭，就是对于演奏者来说也是十分困难的。所以，很多人采取的方式是无数次地反复背诵，直到能脱离乐谱进行演奏为止。如果是没有深入理解的反复背诵，这种记忆并不是十分可靠的，因其并没有进入到演奏者的深度记忆中进行储藏，所以有可能出现错误或者中断。记忆的形成有其特有的规律，那么，如何背谱才能形成深度的不可磨灭的记忆呢？

1.先通过眼睛和内心来读谱。对于听过的和没有听过的曲子，都不要急于看着乐谱进行演奏，而要先通过眼睛读谱，从内心建构起音乐的架构，想象其实际的音响，形成对乐曲声音的认知，以达到无声的视奏。通过眼睛和内心深入地读谱之后，这首作品该呈现出何种音响效果，该用何种演奏方法进行演奏，在演奏的过程中可能出现哪些问题，如何解决这些问题，可能演奏者心目中已经有了最理想的答案。如果对作品不熟悉，只是盲目地进行练习，出现的问题可能会更多。

2.理想中的音乐效果和用乐器进行实际练习还是两回事。在使用乐器练习的时候，要记住和仔细了解每一个练习的细节，比如乐曲的背景信息、作曲家的创作情绪、技术难点等。对于一部作品，通常是越熟悉越好。

3.重点记忆困难的部分，将困难的部分从整体中抽调出来，进行特别的练习和记忆。但是，在攻克和记忆难点的时候，也不要忽视容易的部分。

4.在记忆得差不多能把作品演奏出来的时候，想象一下用大提琴实际演奏时的速度。将所有的信息重新整理进行记忆，不断地复习已经学过的东西，通过研究已经学过的东西不断地加深记忆。

当然，正确的适合自己的演奏方法不一定是背谱，学习乐谱、理解乐谱、攻克乐曲演奏的难点才是最重要的。