1.文学

中国的古典文学艺术涉及诗、赋、词、曲、杂剧、小说、散文等，为便于表述，大体上分为诗赋、词曲、小说三类。

诗赋。“中国文学的长河，是以诗歌为主流的……”^[8]一是说中国诗歌的发展历史源远流长，从《诗经》算起至今已有3000多年了；二是指中国历代作诗的人数众多，作品数量大；三是表明诗歌对其他艺术形式有较多的影响和渗透。中国的诗歌以诗经、楚辞和汉乐府为源头，历经魏晋南北朝时期的五言古诗、七言古诗，南北朝民歌，到唐朝发展到顶峰，至宋元明清，诗歌的流行与创作延绵不断，成就斐然。只是到了近代，受新文化运动及西方诗体的影响，推行白话诗，以致以唐诗为代表的格律诗一蹶不振。

赋与楚辞有密切的血缘关系，至汉代曾取代诗歌兴盛一时，以致有汉赋之称，然至东汉中叶赋又向诗歌靠拢，演变为抒情小赋。诗赋在中国历史上似乎有此消彼长的规律，然就总体而言以诗为主、以赋为辅。

诗歌在中国文化历史中具有崇高的地位，古代文人曾以诗取仕、以诗交友，诗作往往代表文人的学识水平和社会地位。诗歌的艺术风格及美学特征在中国影响深远，千百年来诗歌一直影响着中国古典歌舞、戏曲、绘画、传奇、小说等艺术形式的发展。如今“诗意”仍是某些艺术作品的审美取向。

词曲。词的起源可以上溯到隋代，它是一种配合宴乐用以歌唱的诗体。中唐以后，文人们开始词的创作，至晚唐五代，文人词得到长足的发展。北宋以降，苏东坡一改延续五代的柔艳词风，拓展了词的题材和境界，使词取得和诗同等的地位和功能。苏东坡是以诗为词，而处于北宋南宋之间的豪放派词人辛弃疾则以文为词，其散文化风格使宋词面貌为之一新。斯时的著名词人还有李清照、陆游等，其作品或叙国破家亡之痛，或抒爱国情怀，无不打上时代的印记。词的辉煌时期是宋代，至元明清，虽然创作量很大，明词比较平庸，清词虽现复兴迹象，然创新性不足，只能算延续中的收获。

宋金对立时期，民间歌曲吸取女真、蒙古等少数民族的乐曲，发展成为一种新的歌曲形式——散曲。散曲在元代得到较大发展。散曲既可以像诗词那样抒情写景，又是元杂剧的曲词。元杂剧是在宋杂剧和金院本基础上发展起来的一种新的艺术形式。在元代经关汉卿、马致远、王实甫、纪君祥等人的努力，杂剧达到鼎盛时期。其代表性的作品如《窦娥冤》《西厢记》《赵氏孤儿》等一直流传至今。元代的散曲和杂剧，合称“元曲”，元曲在中国文学史上取得了与唐诗、宋词并称的地位。

小说。关于小说的渊源，鲁迅先生认为：“在于神话与传说。”^[9]袁行霈先生则指出：“中国小说可分为文言小说与白话小说两大类。”“文言小说源自上古神话，运用文言，主要是表现士大夫文人的思想趣味，作者与读者都是有较高文化修养的人。白话小说源自唐代中叶的市井伎艺，运用白话，主要是表现市民的思想趣味……”^[10]中国小说又可分为志怪、志人、传奇、话本、章回小说五类，前三类是文言小说，后两类大多是白话小说。

志怪小说自魏晋至清代一直没有中断过。东晋的《搜神记》、唐代的《玄怪录》、宋代的《稽神录》、明代的《剪灯新话》、清代的《聊斋志异》是其代表作。志怪小说记述神奇怪异之事，多采自民间传说。志人小说自南唐至清代也没有中断过。南朝宋的《世说新语》、唐代的《隋唐嘉话》、宋代的《唐语林》、明代的《何氏语林》、清代的《今世说》是其代表作。志人小说记录官僚、士人的逸闻琐事。志人小说和志怪小说都是短篇。

传奇是唐代新兴的小说体裁，内容是搜奇记逸，大多取材于现实生活，不限于神怪。《李娃传》《莺莺传》《霍小玉传》是其代表作。宋元话本小说的出现，是小说史上的一大变迁。它是市民阶层的新兴文艺形式，是游艺场所“说话”艺人的底本。话本分“小说”与“平话”。小说是短篇，代表作如《碾玉观音》。平话篇幅较长，要分多次才能讲完，代表作如《全相平话五种》。

明清时期，长篇章回体小说的出现，标志着中国古典小说的创作走向繁荣。元末明初罗贯中创作的《三国演义》、施耐庵创作的《水浒传》；明中叶到明末产生的《西游记》《封神演义》《东周列国志》《金瓶梅》；清代的《儒林外史》和《红楼梦》。其中《红楼梦》代表中国古典小说的最高成就，《三国演义》《水浒传》《西游记》在中国文学史上也留下了深远的影响，至今脍炙人口。

2.绘画

中国的美术发展涉及绘画、书法、建筑、雕塑、工艺美术等，现以绘画为代表进行简述。

中国的绘画源远流长。史前的陶器纹饰，先秦的青铜器纹饰及壁画、帛画，汉代的画像砖石已能刻画历史故事。但真正成为一门独立的供人欣赏的艺术，出现在魏晋时期。

魏晋南北朝时期已出现专业画家，如曹不兴、卫协、顾恺之、陆探微等，他们以画道释及同时代人物为主，注重人物精神风貌的刻画。长卷式《女史箴图》《洛神赋图》是这个时期的代表作。斯时是山水画发展的萌芽时期，主要作人物的背景衬托。此时已出现绘画理论专著，如顾恺之的《论画》和谢赫的《画品》。

唐代是中国绘画走向成熟的时期，尤其是人物画获得了重大的发展。阎立本、吴道子、张萱与周昉是有代表性的人物画家。绘画题材与表现技巧不断丰富，宫廷画、道释画、仕女画的风格对后世影响很大。到盛唐时期，山水画与花鸟画先后分科独立，成为比较成熟的画种。展子虔和李思训创设了青绿山水画派，王维以诗入画，创造出简淡抒情的绘画意境。花鸟画以薛稷和边鸾最为著名。唐朝的绘画理论以张彦远的《历代名画记》最为著名，它强调了绘画“成教化、助人伦”的社会功能。(www.daowen.com)

五代两宋是唐代之后中国绘画史上又一灿烂辉煌的鼎盛时期，五代时期绘画的中心是南唐和西蜀，此两地偏安，且统治者喜欢绘画，故延揽人才，建起宫廷画院。此时的著名画作如顾闳中的《韩熙载夜宴图》等。宋代的文化事业比较繁荣，宫廷绘画、文人绘画、世俗绘画都得到很大发展。宫廷画院的机构和规模得以充实，画院人才济济，宫廷绘画追求严谨工细，注重写实。此时的文人士大夫如李公麟、苏轼、文同等亦把绘画视作雅事并提出了鲜明的审美标准，他们的绘画追求主观情趣的表现，不拘泥于写实。风俗绘画最著名的作品当属张择端的《清明上河图》，此图以其内容的丰富性、真实性和艺术表现的生动真切，成为中国绘画史上不朽的杰出作品。

绘画发展至元、明、清，文人画获得了突出的发展。在题材上，山水画、花鸟画占据了绝对的地位。文人画强调抒发主观情绪，“不求形似”，不趋附大众审美要求，借绘画以示高雅，表现闲情逸趣，倡导“师造化”“法心源”，并且注重将笔墨情趣与诗、书、印有机融为一体，形成了独特的绘画样式，涌现了众多的杰出画家、画派，以及难以数计的优秀作品。

到了近代，中国的绘画有以下特点：其一，文人画从民间美术中吸取更多的营养，使中国画出现了超越古人的雅俗共赏的新格局，上海画派在这方面取得了突出成就；其二，强调吸收外国文化艺术的经验，广东岭南画派在借鉴日本绘画经验方面表现明显；其三，新的阶级力量要求艺术为他们的政治斗争服务，太平天国壁画和辛亥革命时期的讽刺漫画表现最为突出。另外，中国近代开始学习外国经验进行美术教育。蔡元培先生还倡导以“美育代宗教”。

3.戏曲、歌舞

中国戏曲相较歌舞成熟较晚。“中国戏曲的起源可以追溯到上古时代的原始歌舞和祭祀。”“经过漫长的孕育，到了宋代，杂剧这种形式便发展起来，金代又出现了院本。宋杂剧和金院本是中国戏曲的雏形。”^[11]

中国戏曲走向成熟的标志是元杂剧的出现，从金代末年到明代初年，集聚于元大都（北京）的一大批杂剧作家创作出流传深远的戏曲作品，如《西厢记》《窦娥冤》等。与此同时，在中国南方的民间，还流行称为“南戏”的戏曲形式，为中国戏曲的发展、成熟作出了贡献。

到了明代，一种新的戏曲形式“传奇”繁荣起来，这时的“传奇”不是指小说，而是指戏曲之长篇者。著名作品如汤显祖的《牡丹亭》等。传奇这种戏曲形式在清代得以延续，如洪昇的《长生殿》等。清代最繁荣的是地方戏，中国的地方戏率先成熟的是流行于苏州地区的昆腔。尔后江西的弋阳腔、湖北的皮黄戏、陕西的秦腔等相继发展成熟，并纷纷进京演出，争奇斗艳。乾隆年间，四大徽班进京将徽调与皮黄戏融合演变为京剧。由此，号称国剧的京剧便一路发展兴盛开来。

中国的歌舞源于古代的巫术活动。周代将前人歌舞整理为“六乐”，除用于祭祀外，将其纳入礼教，进行以乐施教。记载中国原始歌舞戏的诗歌是屈原的《九歌》，称之为歌舞戏的滥觞。到了秦汉时期，朝廷除设“奉常”掌管祭祀外，又设“乐府”，专管采集民间歌舞并教习乐舞，汉代乐府为中国歌舞的发展作出了很大的贡献。

唐代乐舞既有对汉代礼乐的传承，又有对民间歌舞的整理，更重要的则是対异邦乐舞的吸收、融合，乐舞艺术臻于鼎盛。有唐一代，歌舞成为全民性的文化行为，上至帝王，下到百姓，都广泛参与乐舞活动，宫廷乐舞、表演性乐舞及民间歌舞，呈现一派异彩纷呈、争相斗艳的局面。宋代以后，宫廷乐舞已见衰弱，宫廷娱乐形式逐渐被戏曲取代。一方面古典歌舞的形式和元素被融入戏曲中去，另一方面歌舞活动的重心逐渐转移到民间，成为民间自娱自乐的活动。

4.中国传统艺术的审美特征

中国的传统艺术根植于中国传统文化的土壤之中，其审美价值取向必然受传统文化观念的影响，受民族心理的影响，同时受时代变迁的影响。

就中国的文学艺术而言，袁行霈先生认为有四个特色。一是诗是主流，他认为：“中国的小说、戏剧都有一种向诗歌靠拢的倾向，或者说有一种诗化的倾向。”他还指出，中国的绘画艺术，大多追求诗的境界和意趣，画论和诗论都讲究神韵和意境。二是尚善的态度，中西文学都追求真善美的统一，但西方文学把“真”放在第一位，中国文学把“善”放在第一位。这有中国传统观念的影响，子曰：“《诗》三百，一言以蔽之曰：‘思无邪’。”孔子说《韶》：“尽美矣，又尽善也。”^[12]儒家以仁义为善，道家以自然为善。其三是乐观的精神，就是说中国的文学艺术作品都讲究有一个圆满的结局，即使是悲剧，也要有一个喜剧结尾。其四是含蓄美，含蓄是充分运用语言的启发性和暗示性，以唤起读者的联想，让他们自己去体会和发现作品中隽永深长的意趣。中国的诗歌往往因其篇幅短小，特别注重含蓄；中国的写意画也常运用含蓄手法表达意趣。

就中国的绘画艺术而言，其审美特征可归纳为：其一，以善为美，以物比德。中国绘画也有“成教化、助人伦”的传统，讲究以物比德，寓意崇善。如用“岁寒三友”喻君子之风。其二，注重神韵美。中国绘画讲究以形写神，力求刻画物象的本质特征与精神风貌，以形写神是为了“达意”和“传神”。其三，追求意境美。意境是中国传统美学思想的重要范畴。在传统绘画中是作品通过时空境象的描绘，在情与景高度融汇后所体现出来的艺术境界。中国的绘画尤其是山水画特别讲究情景相融、虚实相生，不但追求象外之象，更追求象外之意。

中国戏曲歌舞的美学特征，可以戏曲为代表，主要表现在三个方面。其一是古典的和谐美：和谐是中国传统文化的核心观念之一。中国传统戏曲是综合性艺术形式，构成戏曲的诸因素之间讲究和谐统一，如礼与乐、情与景、情感与理智、抒情与叙事等等。中国没有本质意义上的悲喜剧，悲剧都有一个圆满的结局，喜剧也鲜有对丑恶的露骨揭露，抒情叙事都比较含蓄。其二是诗意的抒情美：中国戏曲源于抒情诗，并与歌舞联结发展，抒情是它的主要特点之一。中国戏曲以唱为主，这是由它的抒情性所决定的。其三是表现的形式美：中国戏曲不注重写实，而是注重抒情写意，它的情节比较简单，但表演形式却比较复杂，唱、念、做、打均按照规定的程式进行。同时，它的抒情达意是采取虚拟化的表演方式，一根马鞭就可以表达牵马、上马、骑马等一系列动作与含义。中国戏曲的程式化和虚拟化体现了它的形式美。

综上所述，中国传统艺术的审美特征可归纳为以下几点：（1）以善为美。中国传统艺术作品中，不乏优美、壮美的作品，但其总的审美取向是以善为美，文学艺术、绘画艺术和戏曲歌舞皆如此。故以善为美是中国传统艺术重要的审美特征。（2）以和谐为美。当代美学家周来祥先生指出：“中国古典美学思想，就是以和谐为美。”^[13]和谐体现在作品内容上是人与人、人与自然之间的和谐，体现在作品内部结构上是诸要素之间的协调与均衡。在表现手法上多采取含蓄、写意的方式。戏曲是如此，绘画等艺术也是如此。（3）意境美。追求意境美是中国传统艺术的共同特点。描摹景物、烘托气氛、刻画人物内心世界均讲究诗情画意，追求意境美。（4）神韵美。古人作诗论诗讲究神韵，到清代的王士祯，则把“神韵”作为作诗的根本要求和论诗的审美标准。绘画更是讲究“以形写神”和“气韵生动”，中国的文人画则把对神韵视为绘画之圭臬。（5）形式美。中国艺术的形式美集中体现于传统的戏曲艺术。以京剧为例，京剧艺术集语言、音乐、表演于一身，音乐的曲牌、舞蹈化的表演和诗歌化的语言，唱、念、做、打无不体现程式化、虚拟化的形式美。在中国的诗词与绘画艺术中也追求某种的形式美：诗词讲平仄、韵律、格式，常体现有别于西方诗歌的独特的形式美；绘画艺术中的以线造型及近乎程式化的构图，也显示出中国特有的形式审美观。