20世纪50年代初期，阿伦·雷乃凭借《梵高》（1948）、《格尔尼卡》（1950）、《高更》（1951）、《雕像也会死亡》（1953）等一系列艺术品题材的纪录短片进入电影界，其中20分钟的《梵高》获得了1949年度奥斯卡最佳短片奖和威尼斯电影节奖项。此时，真正意义上的法国新浪潮运动还未开始，阿伦·雷乃已经成为欧洲拥有广泛声誉的纪录片导演。

纵观世界电影史，像爱森斯坦、基耶斯洛夫斯基、赫尔佐格和路易·马勒这样横亘于纪录片与故事片的电影大师俯拾皆是，虽然他们的纪录片艺术品质不低，故事片带来的巨大声望往往抹杀了他们的纪录片导演身份，也为理解这些导演的整体性制造了障碍。阿伦·雷乃是个例外，《夜与雾》是他漫长的创作生涯中无法忽视的导演成年礼，是风格定型与思想完成之作，影片中确立的“记忆与遗忘”主题、复杂的时空逻辑结构，都一直延续到《广岛之恋》（1959）、《去年在马里昂巴德》（1961）为代表的其他影片中。

阿伦·雷乃是一位文学性很强的导演，玛格丽特·杜拉斯写了《广岛之恋》，阿兰·罗伯-格里耶是《去年在马里昂巴德》的编剧，让·卡洛尔写《夜与雾》及其后的《穆里埃》，“这些剧本都有复杂的结构和诗化的语言，整体缓慢、严谨、沉重，与戈达尔和特吕弗的轻快自在大相径庭”。^[21]但有这样的认识并不仅仅源于剧本都是由文学家撰写，而是他在创作中能保持剧本文学性的完整。《夜与雾》的成功与法国诗人让·卡洛尔的脚本是分不开的，阿伦·雷乃又将其进行了惊人的价值提升。

《夜与雾》的经典性首先在于所实现的复杂而丰富的历史情感，影片是描述性的，回忆与反思的意味是潜隐的。解说词撰写者让·卡洛尔作为幸存者曾于1943年至1945年被关在古森集中营，解说词写道：“他们恐惧地藏身在这洞中，入睡本身就是恐惧。他们的真实情况非描述和想象可反映，没有尽头的恐惧……在这座充满噩梦的砖房里，我们可以为你们展示的只是表面。”关押期间的超常痛苦使得卡洛尔几次试图自杀，影片之所以给观众以体验感，正是个人所经历过创伤性痛苦打击的产物。冷峻肃穆的管弦配乐由德国最著名的犹太作曲家汉斯·埃斯勒完成，1933年起他受纳粹党通缉先后流亡至莫斯科和纽约。(www.daowen.com)

叙述旁白由米歇尔·布赖讲述，语调冷静而麻木，甚至有一种暧昧、不透明和模糊的感觉。例如：

火车被密封或锁起来，百个人挤在一节车厢里。没有白天和黑夜，只有饥饿、口渴、窒息和疯癫。一封信飘到地上会有人发现吗？这是死神的第一步行动。第二步是让火车在有雾的夜晚到达。……凌晨5点，检阅广场上无数次的集合，夜色掩盖着大家的轮廓，一支管弦乐队演奏小歌剧里的进行曲。

部分段落有着强烈的戏剧紧张感，通过解说词人为地控制戏剧性并非难事，重要的是戏剧性所展现出来的内容，《夜与雾》的叙事形式实际上是展示一个缓慢又具压迫性的情感过程。导演侧重于整体情感的传达，影片对于情感力度的重视正体现在对情感裹挟的控制，它的成功之处“在于其在处理一个体现那种极度的、使人倍受折磨的痛苦的主题时的高度的细致。这是因为，这样一个题材所具有的冒险性在于，它可能麻木我们的情感，而不是激动我们的情感。雷乃采用与他的题材保持一定距离的方式克服了这种危险性，这种方式不多愁善感，但也并未因此弱化题材的令人毛骨悚然的恐怖色彩”^[22]。奥斯维辛集中营是一台独特的机器，叙述者介绍它如何运转起来并进行生产的。画外音不动声色地描述犯人等级、管理方法、焚尸炉的使用，细致地展示毁灭和屠杀的过程，甚至是那些“意外之处”的橡树、动物园和小乐团。