其实并不是的。学习摄影需要完全掌控曝光、对焦这些知识等，所以相机只要有手动曝光功能，设置为S、A、M档就可以了，像微单、高端一点的DC都可以。不过不建议新手学习摄影买小DC，一些微单和单反都是可以的。但并不是非要单反不可，因为单反很笨重，很多人对它的兴趣越来越小。

很多人后悔手里的器材买错了，其实，当你会摄影了，也就自然知道自己要什么器材了。只要器材有S、A、M档，以及一些基本的对焦模式，我觉得就可以很好地学习摄影。

UV镜在数码相机时代就是一个保护镜片。保护镜片，说白了就是随便擦、随便造，坏了不心疼再换一个，只要镜头的镜片不伤就可以。所以这样一个镜片为什么要买好几百乃至上千的？有人说，越贵的UV镜越通透，是的，一点错都没有。但是那片UV镜真的会影响拍摄大片吗？要是真的影响，拍大片的时候，把UV镜拧下来就行了。所以UV镜真没必要追求最好的，大品牌的即可。

目前主流的相机都适合新手入门。其实这个问题背后的问题是：对于新手来说是否应该选择便宜一点的相机？或者选择操作简单一些的？专业单反会不会难上手？

从价格来说，几乎所有有经验的摄影爱好者都知道，要买你能力范围内最贵的相机，这才是真正的省钱之道——因为不折腾才真省钱。

至于相机是否专业，就取决于相机机身上按钮的多少。其实越高级的机身，机身上的按钮就越多，自定义的能力也越强，这样会让你操作更快。而一般意义上“入门级”机身的很多设置反而要频繁进入菜单，这样操作起来更烦琐。

真的高手，一定会手持利器。

很多人都说拍照一定要用M档控制曝光。其实大可不必，95%以上的照片都是A档拍摄的。少量需要控制快门速度的是S档拍摄的，极少数是M档拍摄的。只有在超出相机测光范围、拥有固定曝光参数、使用闪光灯或者现场光频繁变化等一些极特殊的情况下才会用M档。如果明白了相机曝光的原理，那么用什么档其实都是一回事。用M档最多的时候就是拍月亮。

并不是，多数情况下手动对焦的成功率远小于自动对焦的成功率，尤其对于新手而言。相机厂商花了那么多年的时间研发并不断改进的自动对焦系统，难道还不如一个新手的眼神和技术么？手动对焦和手动曝光是一样的，在一些极端情况下才使用。比如你摆拍的时候，比如拍摄一些高速移动物体，自动对焦完全无法工作的时候，但这种情况很少。所以，新手还是多用自动对焦吧。

或许这个观点在胶片时代还有些立足点，但是现在已经恰恰相反。首先，数码相机的分辨率已经很高，光圈越小，衍射情况越明显，画质会变得很差；此外，目前的镜头设计理念和之前有很大不同，新镜头的设计就是按照最大光圈的最优效果设计的。所以新镜头往往是大光圈的时候画质好，当光圈小于F11的时候，画质很差。这个理念很好，最大光圈都不能用的话，要那么大光圈有何用呢？

别说新手了，许多所谓专业摄影师也完全搞不懂闪光灯，闹出了很多笑话。举个例子：我们看一些开幕式的时候，看台上闪光灯如星光一般闪烁，或者晚上拍摄名山大川的时候，嫌远处的山太黑，也开闪光灯。其实，一点用都没有。告诉大家一个简单的公式，GN值=光圈×距离。GN值是闪光指数，差不多就是你闪光灯的最厉害的亮度指数。厉害的外闪差不多有GN值60的，如果你的光圈是F2.8，最多也就照亮到20米左右的距离，有时候你压根没办法开闪光灯。

首先要先强调一点，后期对于摄影来说非常重要。一张照片不做后期在多数情况下只能算半成品。教学照片很少有后期的主要原因是需要教授摄影技巧，所以要先看原片，这样学会了技巧之后就能达到同样的效果。

但是一开始学习摄影的时候就太注重后期的效果，反而会让你忽略掉你照片本来的内容，失去了摄影的本意或者你的拍摄技巧。比如，一个景色并不好的傍晚、一个并不好的场景，但是依靠后期你依然可以调整出色彩绚丽的天空。

可能地面的景物并不好看，可能这不是一张好照片，但是很多新手依然会对于此兴奋不已，因为他们只能看到照片的一部分——看起来好看的那部分。

渐渐地，新手们会发现自己的内心很容易被后期所满足，于是不再关心拍摄内容与拍摄技巧，渐渐走偏了。要么色彩浓烈得过分，要么追求大反差黑白。

新手们认为黑白能掩盖一些瑕疵，如果不能，那么就提高反差。殊不知黑白照片要关注灰度，也许不同的颜色在转为黑白之后会表现成同样的灰度，起到简化画面的作用。无规律的彩色在转成黑白之后可能会形成规律性的灰阶，这也有助于表达某些场景。

所以做后期其实有很大的学问，但这也要建立在前期拍摄的基础上。因此，初学者依赖的后期，在专业老师眼中看来，可能只是玩闹而已。

前期拍得好，才能让你的照片大有可为。

老师点评照片的时候经常说你应该按规矩来做，比如构图三分法。然后常常有人说，规矩不就是用来打破的吗？不打破怎么突破瓶颈呢？这其实是很可笑的，属于没学会走就想着跑的。很多大师打破常规，但人家是有目的有意义地去打破。为了打破而打破，初学者切忌不明所以、胡乱运用。要先学会基础，有了本事，明白了其中的道理，再去打破常规不迟。

很多人连光圈、快门都没弄明白，就希望我给他们摄影之路的规划一个肯定。

他们的规划是：找一份影楼的工作，器材问题就解决了，摄影师还会教技术，学会了一身本领，同时也挣到了第一桶金，之后自己开一家影楼，之后全球旅拍，单子越来越多，从此走向人生巅峰……而实际情况是，因为你没有摄影基础，所以有点名气的影楼压根不会要你。即使你能去工作，你可能也根本接触不到相机，摄影师也未必能教你技术。还有就是，国内的影楼大多水平不高。

在摄影中，有一件事会被反复强调，那就是如果想拍到好视频，就要到达值得你拍摄的场景及发现有价值的瞬间。首先是这张照片的场景和瞬间到底值不值得拍，其次才会从取景、曝光、虚实、构图来具体分析。所以，如果是随意拍的，是不值得具体分析的，因为找问题可能要比拍摄花更多时间。

请记住，拍摄技巧和器材远不如你拍摄的内容重要。发现值得拍摄的场景和瞬间，才是最重要的。

很多新手盲目追求所谓的摄影意境，所谓个人风格。追求是好的，但是不能盲目。如果连最基础的摄影技术都没有，这种追求只能是你摄影道路上的拦路虎。在我看来，摄影就是表达自己意图的一种方法，你的技术越高，你能表达的就越淋漓尽致，你的意境就越深远。没有好的摄影基础，其他都是没用的！

拍摄的时候，新手会不自觉地将画面的主体放在画面的正中间，这属于习惯。同时相机单点对焦时，默认的对焦点都是中心点，新手们可能在拍摄的时候顾及不了那么多。熟练一点的知道画面中心对焦点往往是最好用的对焦点，所以也习惯这么用。新手看老手这样做，更加坚定了中心对焦的方法。其实中心对焦的方法确实好用，一般情况下先对焦后构图也没问题。先对焦，之后再构图。很多新手只是对焦，然后就拍了。如果一定要居中呢？记住居中就要有个大主体。居中法构图是指一定有个大主体画面是左右对称向远处延伸的，也可以把小主体居中放置。你可以后期裁切，但是往往会损失像素。除了主体居中放置以外，很多人还喜欢将重要线条（地平线、水平面）放在中线。其实学过三分法构图的都知道这样会让画面显得非常呆板。

一般来说，地平线或者水平线这样的重要线条都是放置在三分线上的。如果天空好看，可以天空多一些，就放在下三分线上。如果地面或者水面好看，也放在三分线上。如果是表现辽阔感，就放在三分线下，甚至可以再往下压压。

那么是不是水平线永远不能放置在中间呢？也不是，如果出现上下对称的时候是可以的，比如：倒影。

这是很多新手容易犯的错误。水平线一般就是要水平的。很多人问为什么不能斜着？因为那不叫斜，叫歪。

水平线明显倾斜的，会给人很不稳定的感觉。

当画面中的人或者物有朝向性的时候，构图就要注意了。你拍个人，面朝你，那么人物摆放方式就会多一些。但是人或者物朝左或者朝右，就不是这样了。

就算是没有学过摄影，凭借感觉也知道面前要留空间。这也可以后期裁切，但是损失像素。

拍摄人物肖像照的时候，如果是半身像或者全身像，记住，人的脑袋千万别放在中线上，更不能放在中线下，否则会显得人非常矮。

拍摄人像的时候，切人的位置也是很有学问的，很多地方不能切。简单来说，就是所有关节最好都不要切。如果画面中有水平线的时候，切人的问题也存在。

点在中心受力均衡，所以显得呆板；

点在画面上方显得会上浮；

点在画面下方显得会下沉。

横向线条显得开阔；

纵向线条显得高耸；

曲线显得柔和以及绵延。

正三角形显得稳定；

倒三角形显得不稳定、有冲击力；

楔形三角形会产生动感。

方形显得稳定。

圆形会让画面产生紧凑感、中空的形状；(www.daowen.com)

圆形会让人视觉停在中心，聚集目光。

将一个大主体放在中间。

画面结构中心对称。

画面从上到下三等分，从左到右三等分。画面中会有四条三分线，同时画面会有四个三分线交点。重要线条放在三分线上，重要元素（主体、着眼点）放在三分线交点上。着重表现的部分占的面积更多，决定了横线条放上面还是放下面。有朝向的元素，前方要留更多空间，决定了放左边还是放右边。当要表现得更加辽阔的时候，地平线（水平面）可以继续往下压，打破三分法，甚至可以将画面9：1分配。

正三角形显得稳定；

倒三角形显得不稳定——速度感、不安定感、动感。

框架中心的元素（主体、着眼点）会被突出。

单一元素不断重复，尽量充满整个画面；

透视效果造成引导线构图；

透视效果会造成延伸感；

引导线会让主体更容易被看到。

曲线的运用在视觉的方向引导上起作用，达到持续变化的效果。我们可以运用真实存在的点位安排来产生曲线，既包括规则曲线，又包括不规则曲线。

不管是没对上焦，还是对焦位置选得不对。没对上焦往往会造成画面主体不清晰。这是新手容易犯的错误，一般拍一段时间就不会出现这种问题了。记住对焦一定要对准你的主体。

有时候新手拿到大光圈镜头之后，就会使劲把光圈开到最大。但是景深太浅，拍摄的时候先对焦后构图就会出现余弦误差。先中心点对焦在人脸上，之后下摇相机焦点就跑到后脑勺了。拍人像时一般为摆拍，不是抓拍，所以可以先构图再调节对焦点。

景深太深，就是将该虚化的没虚化好；景深太浅，就是将该拍清楚的没拍清楚。

关于景深的虚实我们总结一下：对焦在哪里，哪里就是清楚的。如果其他的元素也在对焦平面上，那么它们都是清楚的。不仅如此，如果其他元素在景深范围内，即使不在对焦平面上，它们也是清楚的。

（1）手抖造成的虚

最慢的快门速度应该是你使用的焦距的倒数。简单地说：你用200mm的长焦镜头，快门速度至少要1/200秒才能保证拍摄可能不模糊。要是新手，就要焦距的2倍的倒数，也就是如果200mm的焦距，至少要1/400秒的快门速度才行。所以一旦你达不到安全快门速度，虚也就不可避免了。

有人说，用防抖镜头或者防抖相机不就行了么？是的，一般防抖都是3档，好的据说5档。但是实际效果怎样才是标准的呢？我建议防抖最多提3档，也就是你的安全快门速度可以慢8倍。然后慢到1/8秒的时候，防抖基本上都没用了。所以一旦快门慢下来，人手的抖动就显露无遗了。这是生理结构，不可能有什么突破。

怎么办呢？很简单，提高快门速度或者将相机固定在三脚架上都可以。如果没有三脚架的话，就提高快门速度——比如通过提高感光度。有人说“可以开大光圈”，但一般这时候你的光圈已经最大了，但还是达不到安全快门速度。

提高感光度很多人不愿意，因为会降低画质。但是记住这句话：相比手动造成的画面模糊直接毁掉照片，提高感光度带来的画质下降根本不算什么。

（2）没有凝固画面主体

当画面的主体是静止的时候，我们架上三脚架就可以实现慢门的虚实结合了。但是当画面中主体是运动的时候，我们固定相机使用慢门拍摄，主体就虚了。

当画面中的主体是运动的时候，怎么办呢？

正面例子：

① 提高快门速度

提高快门速度可以凝固瞬间，这一点毋庸置疑。当然用闪光灯也可以拍摄到清晰的主体，因为闪光灯可以让你自然提高快门速度。

② 使用闪光灯+慢门

慢门拉曝是利用慢门拍摄，同时变焦。这样画面中的东西就有一个大小的变化——也是一种运动。只要是运动变化，就一定是虚的。但是利用闪光灯一闪，就可以让画面凝固住其中一个瞬间，自然画面中就有清晰的瞬间了，虚实结合。

如果不是用拉曝的方式仅仅是主体在画面中运动，原理是一样的，闪光灯会凝固一个瞬间，而其他长曝的时间主体都以虚影的状态呈现。

③ 追随的拍摄手法

当主体运动的时候，我们可以手持相机，追着主体拍摄，和主体保持相对静止。如果相机和主体保持了相对静止，那么即使是慢门，主体也是清晰的。因为相机在移动，所以绝对静止的背景和相机就有了相对移动，背景自然就虚了。

④ 后期涂抹背景虚化

后期涂抹这是近一两年才流行的，往往见于手机后期处理，很多新手喜欢这么做。

第一，“构图”永远是按下快门之前要做的，甚至在你打开手机相机之前，就应该用眼睛对眼前的画面进行“构图”——应该怎么拍？斜拍、侧拍、俯拍哪个方式更好？放在取景框哪个位置？

这是一种随时都能进行的构图练习，可以把它叫作“脑内构图”。脑内构图每时每刻都可以进行：在地铁上看到有人坐在座位上看书，你可以考虑是专注于从正面拍下他的表情，还是连旁边玩手机的人一起拍进来做个对比；对于在公园里吹泡泡的孩子，你会把焦点放在孩子欢笑的脸上，还是放在随风飘扬如梦想般上升的泡泡上？

第二，多模仿别人的优秀作品。虽然模仿别人的作品拍摄时，哪怕拍得一模一样也不值得炫耀，更不能证明你的水平和对方一样。但这却是我们成长过程不可缺少的一步。如同学写字时要照着字帖一笔一画临摹一样，要想“写好字”请先会“写字”，要想“拍好”请先“会拍”。

第三，不要把后期看得太重要，但也不要拒绝使用后期。我们在看别人评判某张摄影作品时，常能听到一句话“后期太重了”。后期太重是很多新手难以避免的问题，但photoshop或者snapseed虽然不能替代我们去按快门，适当的后期却能给我们的作品加分。

第四，看了那么多有关摄影技巧的文章，为什么还是拍不好？那是因为你缺乏实践。这跟“知道很多大道理却依旧过不好这一生”一个意思。想减肥的，早起跑步跑起来，想拍照的，拿起手机拍起来。

现在手机摄影并没有什么大成本。请不要吝啬快门，同样的景点、同样的人，不同的参数、不同的角度……你能拍出数不清的照片。多拍几张总有意想不到的收获。拍不好的删掉即可，甚至在删掉之前，它们也能在你下次拍照之前提供警示，让你避免错误。

第五，古人说：“文章本天成，妙手偶得之。”摄影作品亦如此。很多的优秀作品都来自摄影师不经意间的妙手偶得。但这一不经意，其实是由无数次刻意练习铺垫而来的。

新手抓拍总是不得要领，不是构图不好，就是焦点没对准。虽说抓拍最重要的就是快和准，但这个快和准都是可以练习的。我们抓拍时都没空闲时间去考虑构图、对焦、曝光等，但是经过无数次的练习，把这些步骤都融入脑子里，抓拍就没那么难了。