“浪漫”（Romantic）一词源于Romance，文学中指中世纪用罗曼语写作的传奇故事或诗歌，而“浪漫”作为一种情感与艺术精神存在于各个时期的艺术作品中。

史学家将“浪漫主义”（Romanticism）这一概念主要用来描述1830年至1850年这20年间的文学创作，以及1830年至1900年期间的音乐创作^[1]。

浪漫主义音乐是继维也纳古典乐派之后产生在19世纪初叶至末叶的重要音乐流派。在音乐历史上整个19世纪是属于浪漫主义的时代。浪漫主义时期是钢琴艺术史上的黄金时期。此时乐器发展完善，出现了众多在钢琴音乐上做出杰出贡献的音乐家，如舒伯特、门德尔松、舒曼、肖邦、李斯特、勃拉姆斯等。后期浪漫主义中，还出现了鲜艳的分支民族乐派，他们有柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、格里格、阿尔贝尼斯、格纳那多斯、弗朗克、圣-桑、福雷等，他们将浪漫主义审美原则、创作手法与本民族的文化相结合，创作了别具风格的钢琴艺术作品。

实际上浪漫主义与古典主义风格的界限并不十分确定，浪漫时期继续沿用了古典时期的音乐体裁与曲式，喜欢采用的有表情的、歌唱性的旋律也出自于古典时期。因此，浪漫主义与古典主义风格的关系是承接与发展的关系，特别是在贝多芬这位音乐巨人的身上实现了两种风格的跨越。

哲学终止的地方，诗歌就开始了。这是理性与感性的交接。如果说古典主义以理性的方式表达对美的理解与向往，那么，浪漫主义则用感性的方式表达对于美的理解与向往。

浪漫风格大致开始于18世纪末法国大革命时期，法国大革命提出的“自由、平等、博爱”口号燃起了人们对于理想希望的想象，唤醒了人们对丰富内心情感表达的渴望。音乐的主要目的是直接而精确地表达人类最微妙而充满活力的情感，言说那不能言说的一切。与古典主义讲究节理、平衡统一等原则相比，浪漫主义更向往自由、新鲜事物，强调的是主观的表现而不是客观的描述，宁可要情感的尽情抒发而不拘泥于形式的完美无缺。浪漫主义音乐是对人世间喜怒哀乐一切情感的最直接的披露，主观情感的体验是浪漫主义音乐表现的基本特征。由于理想与现实之间充满矛盾，浪漫主义音乐家表现得最多的是对梦寐以求而又难以实现的事物的渴望，偏重幻想和夸张的手法。梦幻般的诗意和火热的激情是这一时期钢琴作品中常见的内容。因此传统的奏鸣曲、变奏曲不再具有优势，而经常采用与诗歌、故事等相联系的标　音乐形式，采用与文学相关的叙事曲、无词歌，采用更易于表达作者真情实感的夜曲、幻想曲、狂想曲等小型体裁。浪漫主义音乐家强调自我表现的个性化，强调属于个人的抒情性，因此不管是肖邦、舒伯特，还是勃拉姆斯的钢琴音乐都具有独特的音响特征。正因为鲜明的独特性，此时的钢琴音乐呈现出多姿多彩的风格特征。

与古典主义相比浪漫主义钢琴音乐具有以下区别：(www.daowen.com)

第一，浪漫主义作曲家们将音色看作是音乐的一种重要表现手段，与旋律、和声、调式、节奏一样具有不可忽视的艺术感染力。在他们的作品中，音色变化所产生的效果是其他创作手法所不能取代的，不仅作品的和声调式上都有色彩性的设计，在演奏中也有情感色彩变化的要求。此时，钢琴的构造逐步完成了从木质到铁质的转变。1850年以后的钢琴采用铸铁框架增加了琴身的强度，能承受更大的琴弦张力；琴槌被裹上毡毛，使钢琴的音色更加温暖，同时音域扩展，踏板完善，使钢琴所有音区都能奏出迷人的音色。古典风格的作品中延音踏板主要用来丰富音色，使用得比较“节省”，浪漫风格的作品踏板是一个重要因素，即使在乐谱中没有标示的地方也要依据需要来使用它。

第二，在浪漫主义音乐中大幅度的变化与对比经常出现，并以此手法来积聚情绪，产生动人的效果。古典时期的音乐从pp—　ff　的力度变化已不能满足需要，发展到　ppp—　fff 甚至更大的对比，作品中频繁使用渐强渐弱、渐快渐慢、弹性速度（rubato）、音区音量织体的丰富变化等，一切都为了满足情感表现的需要。

第三，浪漫时期的作曲家们在乐曲的形式结构上不断趋向于自由化，使音乐的微型与巨型结构都有进一步的发展并呈两极分化之势。小型作品如前奏曲、圆舞曲、无词歌等，短小精悍，丰富多彩。大型作品如协奏曲、奏鸣曲、套曲、组曲等则篇幅趋向更大、气势磅礴，走向了音乐形式的边缘。

第四，扩大了和声的表现功能和使用范围，强调了和声的色彩性。古典时期的音乐注重和声的功能性，和声成为明确音乐的句逗与段落的依据；浪漫时期倾向于和声的色彩性，着重描述音乐的情绪内涵。

第五，民族性在浪漫主义音乐中得到了充分发扬。对民族特性的迷恋使作曲家从熟悉的民间素材中吸取色彩性原料，创作出奇异色彩的作品。民族精神借助音乐的翅膀飞向世界。

浪漫主义风格是最适合于人接近的风格，它追求的是无拘无束和无穷无尽的美，它顺应人的本能，适应人的身心。从历史的角度来看，如果没有浪漫主义的存在，音乐世界将失去缤纷的色彩。此时的钢琴音乐更加丰富多彩，深人人心，步人了它的黄金时代。